Albums de Yo La Tengo du pire au meilleur

Nous actualisons et révisons nos anciennes listes Counting Down pour faire de la place aux nouveaux albums et aux idées qui sont apparues depuis leur publication initiale. Notre classement des albums de Yo La Tengo du pire au meilleur a été initialement publié le 12 octobre 2012.

Avec leur nom en espagnol, leur popularité de longue date et leur esthétique outré-cratedigger, Yo La Tengo est une institution américaine aussi improbable qu’elle est une bien-aimée. Pendant près de quatre décennies, ils ont travaillé ardemment pour parvenir à une théorie universelle de la musique populaire qui récompense également la soul des années 60, le scuzz des années 70, Stereolab et Sun Ra, créant ainsi un catalogue rempli de classiques et de curiosités – le disque impeccablement organisé réserve de leur imaginaire collectif.

Formé pour la première fois à Hoboken au début des années 80, le line-up initial était composé de Georgia Hubley et Ira Kaplan, l’ancien batteur et artiste visuel, le second guitariste, preneur de son à temps partiel au légendaire club de quartier Maxwell’s, et contributeur à l’indispensable publication Rockeur new-yorkais. Courant sur une piste parallèle à la scène no wave de Manhattan, Hoboken débordait de talent, peuplé par les Feelies visionnaires et nerveux, les dB’s new-traditionalistes doués et les synthé-rockers archi les Cucumbers, pour n’en nommer que quelques-uns.

Early Yo La Tengo était un exercice d’inspiration périodique et de chaos général. Hubley et Kaplan ont eu du mal à trouver une formation stable et ont parcouru des bassistes, y compris quelques passages de Gene Holder des dB. Leurs trois premiers albums charmants, quoique mineurs, Montez le tigre, Hot-dogs Nouvelle Vagueet Président Yo La Tengo, hésitant entre pop chantante, drone menaçant et bruit abusif sans en maîtriser aucun. Rétrospectivement, il est facile de voir à quel point des morceaux remarquables comme “Barnaby, Hardly Working” et “No Water” ont anticipé le mélange visionnaire d’approches du groupe, mais en temps réel, vous avez dû plisser les yeux pour les différencier de centaines de groupes indépendants américains. chevauchant les formidables queues de peloton du début du REM

Ironiquement, pour un groupe qui deviendrait pratiquement synonyme d’entraînements de guitare de style Crazy Horse axés sur les commentaires, le premier véritable aperçu de la particularité de YLT est venu sous la forme du LP acoustique des années 1990. Faux livre, qui a vu le groupe faire une course fougueuse à travers des classiques de héros allant de John Cale aux Flamin ‘Groovies à Daniel Johnston et même ajouter quelques-uns de leurs propres morceaux pour faire bonne mesure. Fortement encouragé par le travail de guitare de l’as de la session Dave Schramm, c’est la première fois que le groupe semble complètement engagé dans une approche et les résultats sont effervescents et émouvants. Une merveilleuse version finale de “What Can I Say?” de NRBQ a révélé une autre des armes secrètes du groupe : la voix d’alto gracieusement informelle de Georgia Hubley, qui figurera de plus en plus dans les meilleurs travaux du groupe.

YLT a finalement résolu son imbroglio de bassiste de longue date en faisant appel à James McNew en 1992. McNew avait déjà joué dans le groupe indépendant bien considéré Christmas et, par coïncidence, a fréquenté l’Université de Virginie en même temps que David Berman et Stephen Malkmus, qu’il n’a jamais appris à connaître. Son jeu sympathique et mélodique convient parfaitement au groupe, offrant une toile de fond stabilisatrice à la guitare frénétique de Kaplan et un accompagnement souple au rythme sterling de Hubley. Le premier disque du groupe ensemble, Puis-je chanter avec moi, est une affaire sans prisonnier et l’album le plus bruyant qu’ils aient jamais fait – en fait l’un des disques les plus bruyants jamais réalisés par un groupe pop. Sur des morceaux comme “Some Kinda Fatigue” et le joyeux “Upside-Down”, la basse fuzz de McNew agit comme une sorte de colle sonore aux impulsions disparates du groupe. Ce n’est pas un chef-d’œuvre, mais après huit ans de bricolage compulsif, il était évident que quelque chose de grand se préparait.

La trame de fond derrière l’extraordinaire de 1993 Douloureux ne semblait pas trop prometteur. Embourbé dans une lutte contractuelle avec leur label Alias ​​​​et installé dans les studios Water Music de Hoboken après un hiver brutal et avec le nouveau coproducteur Roger Moutenot en remorque, rien n’a été facile. Intéressant, au cours des sessions, le groupe est tombé sur quelque chose à la fois entièrement nouveau et tout à fait familier. Les souches bleu profond de Douloureux sont une onde sinusoïdale montant et descendant entre la pastorale et l’in-the-red avec un but et une logique inépuisables. Les guitares sifflent et gémissent, Ira et Georgia s’harmonisent comme les Everly Brothers, et la basse de McNew est métronomique et envoûtante. Sorti en 1993 par le tout jeune indie Matador, Douloureux a créé une nouvelle langue vernaculaire non seulement pour le groupe lui-même, mais aussi pour la musique indépendante en général. Près de 30 ans plus tard, c’est un moment décisif et le premier album objectivement génial d’un des grands groupes américains du dernier demi-siècle.

Douloureux s’est avéré être le point central qui a lancé YLT sur l’une des grandes courses de n’importe quel groupe au XXe siècle : Tout à coup, ils ne pouvaient pas manquer. 1995 Électr-O-Pura consolidé les gains créatifs réalisés sur Douloureux et même les améliorer. L’élégant “Blue Line Swinger”, le “Pablo Andrea” d’une délicatesse déchirante et le délirant “Tom Courtenay” sont tous des classiques du genre et des démonstrations exemplaires de leur remarquable agilité à se déplacer dans l’ambiance et le genre. 1997 Je peux entendre le cœur battre comme un seul est mieux encore : 16 chansons sur 70 minutes tentaculaires qui éludent astucieusement le problème du choix d’une direction en choisissant toutes les directions à la fois. Le résultat est un tour de force qui ne ressemble à aucun autre – la samba et le bruit ambiant coexistent avec des guitares floues, des excursions country et western et des confessionnaux obsédants et percussionnels. “Tout ce que vous voulez de moi / tout ce que vous voulez, je le ferai”, promet le premier single “Sugarcube”. Et ils le font.

Le public de Yo La Tengo a augmenté proportionnellement à leurs réalisations et bientôt des scènes de plus en plus grandes se sont présentées. Ils étaient de la partie à Lollapalooza en 1995, où ils ont joué au ping-pong avec Pavement pendant que les drames en coulisses de Courtney Love se jouaient. Cependant bien méritée, l’attention a semblé surprendre un groupe de personnalités dévouées insulaires. Cela a peut-être contribué à l’ambiance hantée des années 2000 Et puis rien ne s’est retournéun récit d’honnêteté domestique et d’humeurs sombres ressemblant à celles de Richard et Linda Thompson Éteignez les lumières sur la Psychothérapie et les Quaaludes. Le plus proche de 18 minutes “Night Falls On Hoboken” est en lice pour la plus grande réalisation du groupe, un hymne pastoral à la promesse d’amour qui s’éloigne tout simplement, incapable ou ne voulant pas terminer sa pensée. Un autre genre de chef-d’œuvre.

Tout ce qui suit renforce encore l’héritage du groupe. 2003 diffusées et recherchées Soleil d’été a été accueilli comme quelque chose d’une déception au début, mais sa réputation a grandi avec le temps et il contient certaines des plus belles musiques du groupe, en particulier “Little Eyes” et “Today Is The Day”, chantés par Hubley, qui évoquent des chaînes de montagnes de mélancolie convenable s’étendant dans tous les sens.

2006’s positivement bonkers Je n’ai pas peur de toi et je vais te botter le cul ressemble à Crazy Horse soutenant une revue de Vegas et est tout aussi bouleversant et / ou prometteur que cela puisse paraître – la musique la plus agressive qu’ils aient faite depuis le défi Puis-je chanter avec moi et apparemment quelque chose d’un album concept sur les combats à coups de poing. C’est un modèle pour les phases ultérieures de Yo La Tengo lorsque le groupe suivrait sa muse expérimentale dans toutes les directions qu’il indiquait au hasard, sans crainte de perdre sa stature ou son public fidèle.

Le post-post-intitulé ironiquement Chansons populaires sorti en 2009 a poursuivi la séquence de victoires du groupe, mais uniquement à leurs conditions. Des morceaux comme l’hommage à Prince de l’ère spatiale “Periodically Double Or Triple” ou le duo Motown citant Ira-Georgia “If It’s True” semblaient être les plus proches que nous pouvions obtenir d’un groupe qui pourrait se sentir éloigné même si la qualité de leur travail jamais hésité. Style européen de 2013 Disparaître n’a jamais manqué d’être mémorable – pensez à Stereolab produit par Bob Ezrin – dramatique sur le plan sonore tout en étant émotionnellement distant.

C’était donc extrêmement émouvant de recevoir les 2015 Faux livre suite Des trucs comme ça là qui a vu le groupe se réunir à nouveau avec Dave Schramm sur un nouvel ensemble d’originaux réinventés et de reprises de chansons de Hank Williams, George Clinton, et une version définitive de “Friday I’m In Love” de The Cure. C’est à la fois un geste formaliste reliant leurs années de formation à celles du coucher du soleil et un geste profondément sentimental – un hommage discret à leur petit coin du monde.

Le groupe a emprunté son titre LP 2018 au chef-d’œuvre de Sly Stone Il y a une émeute qui se passe, portant leur audace à des sommets sans précédent, mais livrant un album digne de jolis grooves souvent narcotiques qui riment esthétiquement avec son prédécesseur titulaire. Plus récemment, sur le 2020 Nuit blanche EP, le groupe livre une reprise parfaite de la version des Byrds du classique de Goffin-King “Wasn’t Born To Follow”, qui se classe parmi leurs meilleurs travaux et illustre une fois de plus la glorieuse salle des miroirs qui est leur intemporel esthétique.

Conformément à leur éthique de travail infatigable, il existe toutes sortes de bandes sonores YLT, des enregistrements de sorties, des EP promotionnels, des émissions de collecte de fonds WFMU délicieusement anarchiques et les très recommandés Condo Fucks. Dans l’intérêt de la raison, nous n’essaierons pas de classer tous ceux-ci ici, et nous nous en tiendrons plutôt aux LP officiels, mais offrez-vous une plongée profonde enhardie dans les recoins les plus éloignés de leur catalogue – les récompenses sont infinies. Voici une tentative affectueuse de classer leurs records en sachant que placer les choses que vous aimez dans une hiérarchie rigide est objectivement insensé.

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