Imaginez une forêt : l’art de l’artiste Gond Jangarh Singh Shyam et son héritage durable vingt ans après sa mort

L’artiste Venkat Raman Singh Shyam se souvient distinctement du matin du 3 juillet 2001, lorsqu’il a appris que son oncle et mentor Jangarh Singh Shyam n’était plus. Il était au milieu de La peinture une thésaurisation à Bhopal et avait du mal à croire qu’un Jangarh qui avait le mal du pays s’était suicidé au cours d’une résidence de trois mois au musée Mithila à Niigata au Japon. Il s’agissait de la troisième visite de Jangarh dans le pays. Il semblait avoir été captivé par Japon et avait même nommé sa fille Japani, mais il avait été réticent à ce voyage.

“Il n’avait pas vraiment envie d’y aller. Il était également mécontent lorsque le voyage a été prolongé. Sa famille et ses amis lui manquaient », dit Venkat.

La mort de Jangarh à seulement 38 ans a secoué le monde de l’art. Ce fut aussi une perte personnelle pour les jeunes artistes de sa tribu de Gonds de Pradhan qui avait suivi ses traces artistiques.

Krishna Leela (2001) de Jangarh Singh Shyam, acrylique et sérigraphie sur toile, sera exposée à l’India Art Fair 2022, du 28 avril au 1er mai. (Source : Fabuleux Arts)

Jusque-là, la plupart de ses proches avaient aidé Jangarh, alors qu’il apportait une reconnaissance mondiale à la pratique largement orale. mythes et légendes de la tribu en les transformant en récits visuels.

À travers des lignes pointillées, il a créé des motifs déchiquetés pour raconter les histoires de leurs dieux et déesses et les vagues et les gribouillis incarnaient les mouvements des animaux qui habitaient les forêts profondes. Il fonde à lui seul une nouvelle école de peinture : « Jangarh Kalam ».

L’année qui marque son 60e anniversaire de naissance et 20 ans après sa disparition, Jangarh sera célébré lors de la 13e édition de l’India Art Fair qui débutera le 28 avril à Delhi.

L’événement aura une section spéciale consacrée à ses œuvres de la collection privée du collectionneur d’art basé à Delhi Ajay Kumar Gupta. Plusieurs kiosques présenteront les œuvres d’autres praticiens de Gond art, y compris ceux de ses protégés. De plus, une exposition à la Ojas Art Gallery de Delhi présente des œuvres des artistes Bhajju Shyam et Durgabai Vyam, des artistes contemporains tels que Ranbir aux côtés de Kaleka, GR Iranna et Jagannath Panda. Une autre exposition parallèle au India Habitat Center comprendra les œuvres de Jangarh de la collection de Niloufar et Mitchell Abdul Karim Crites, qui l’ont connu pendant plus de 15 ans, depuis le moment où Mitchell l’a rencontré pour la première fois au Surajkund Mela à Haryana en 1987. « L’un des premiers Gond à utiliser l’acrylique sur toile, ses couleurs non conventionnelles pour l’époque étaient caractéristiques de son style. En avance sur son temps, il avait une vision contemporaine de ce qui était une forme d’art traditionnelle », explique Jaya Asokan, directrice de India Art Fair.

Bien que Jangarh ait été acclamé de son vivant, au cours de la dernière décennie, l’art Gond s’est épanoui et a emprunté diverses trajectoires, sur toile et au-delà. Alors que les thèmes urbains sont désormais monnaie courante, les lignes répétitives et les points minuscules se sont réunis pour illustrer plusieurs livres et sont également entrés dans les maisons sous la forme de peintures murales et d’objets du quotidien.

La Terre Mère de Venkat Raman Singh Shyam. Relié à la nature et aux éléments naturels, l’art Gond dépeint souvent l’homme et la nature comme ne faisant qu’un. Représentant les cinq éléments – y compris le feu en noir, l’air en vert, l’eau en rouge – l’œuvre met l’accent sur la façon dont la terre est le donneur qui fournit. Les fins bords blancs de la toile représentent l’âme immortelle et la figure du jeune garçon dans lequel les éléments sont peints, dépeint comment la Terre Mère traite chacun comme son enfant qu’elle nourrit. (Source : Venkat Raman Singh Shyam)

Né à Patangarh dans le Madhya Pradesh dans une famille de Pradhans, les bardes des Gonds, à un jeune âge, Jangarh a été contraint au travail manuel en raison de contraintes financières. Flûtiste, il aimait jouer au bélier dans les leelas du village et peignait des peintures murales avec des pigments naturels sur des murs granuleux que les villageois admiraient souvent. Il était fortuit qu’à peu près au même moment, l’artiste J Swaminathan envoyait des équipes dans les intérieurs du Madhya Pradesh pour rechercher des talents, avant l’ouverture de Bharat Bhavan, un centre multi-arts à Bhopal en 1982. Au cours d’une telle excursion, l’artiste Vivek Tembe a repéré Hanuman de Jangarh, 17 ans, en peeli mitti et lui a demandé de peindre sur papier, rapportant les feuilles à Swaminathan, qui l’a invité à travailler à Bhopal. Passionné d’apprentissage, il devient rapidement adepte de l’acrylique et des techniques de gravure. Bien que ses récits soient souvent centrés sur les traditions et le folklore indigènes, l’environnement urbain a également été adopté et imbibé et sa palette allait des peintures aux teintes vives aux dessins au trait à l’encre noire.

Alors que son talent inné a attiré l’attention et l’appréciation monétaire, il a également conduit au ressentiment. Dans son livre Jangarh Singh Shyam: A Conjuror’s Archive (2019, Mapin Publishing), l’historien de l’art Jyotindra Jain écrit: «Il (Jangarh) a déclaré que lorsqu’il a été initialement nommé assistant à Bharat Bhavan, certains de ses collègues de l’art moderne pour leur servir du thé ou vider des tasses et des assiettes vides, souvent avec un commentaire sarcastique disant que “vous êtes maintenant devenu un grand artiste”. Jangarh trouvait ces insultes difficiles à supporter et se plaignait souvent à Swaminathan, qui était le directeur. Finalement, Jangarh a obtenu le poste d ‘«artiste» à Bharat Bhavan, une désignation spéciale créée pour lui.

Les œuvres de Jangarh ont parcouru le monde avant lui. En 1988, l’artiste effectue son premier voyage à l’étranger lorsqu’il se rend au Japon à l’occasion de l’ouverture de l’exposition itinérante exposition “L’art des Adivasis” au Musée d’art moderne de Saitama. L’année suivante, il était l’un des cinq participants indiens à l’exposition historique “Magiciens de la Terre” au Centre Pompidou à Paris.

Mitrata (Amitié) de Bhajju Shyam. Plusieurs œuvres Gond sont basées sur des contes d’animaux. Dans l’acrylique et l’encre ci-dessus sur papier aux teintes vives, Bhajju Shyam dépeint la relation spéciale partagée entre un aigle et un serpent. Bien que les aigles mangent généralement des serpents, selon le folklore Gond au moment de la naissance, un aigle protège le serpent et ses œufs des prédateurs. L’histoire montre que les ennemis peuvent aussi être amis en cas de besoin. (Source : Galerie d’art Ojas)

Cependant, alors même que les motifs en pointillés faisaient des progrès dans les espaces d’art contemporain à l’étranger, Jangarh, plus proche de chez lui, s’est retrouvé pris dans la délimitation entre le courant dominant et le marginal. Peu de modernistes ont assisté à son premier solo à la Dhoomimal Gallery de Delhi en 1984 et son travail trouvait habituellement place dans les musées d’artisanat plutôt que dans les galeries d’art. Même aujourd’hui, bien qu’il soit reconnu comme un maître établi et que ses œuvres figurent dans de prestigieuses collections de musées internationaux, dont le Victoria & Albert Museum de Londres, la National Gallery of Modern Art (NGMA) en Inde ne possède pas une seule œuvre d’un artiste Gond. «Nous avons promu l’art folklorique et tribal à travers d’autres initiatives et avons tendu la main à des artistes qui poursuivent le genre ces dernières années. Il est important de donner leur dû aux artistes qui poursuivent des formes d’art indigènes et nous envisageons l’acquisition d’œuvres que nous espérons avoir bientôt dans notre collection », a déclaré Adwaita Gadanayak, directeur général de NGMA.

La pierre angulaire de l’art Gond pourrait être les contes oraux de la tribu, mais au fil des ans, il y a eu des réinventions. Au cours de sa courte carrière, un Jangarh prolifique a lui-même produit un corpus substantiel d’œuvres, expérimentant des thèmes et des médiums, notamment en illustrant pour une publication pour enfants Chakmak et en illustrant des cartes pour le Dastkari Haat Samiti. Bien plus large que son propre travail, sa contribution s’étend aux nombreux artistes qu’il a formés pour faire avancer son idiome. En tout temps, son atelier de Bhopal avait des apprentis qui l’aidaient à remplir de beaux motifs et à réaliser sa vision picturale. Les peintures murales gigantesques qu’il a été chargé de peindre pour l’architecte Charles Correa conçu Vidhan Bhavan à Bhopal en 1996, par exemple, ont impliqué une équipe d’artistes qu’il a encadrés. Certains d’entre eux sont désormais des noms importants avec lesquels il faut compter, notamment Ram Singh Urveti, Subhash Vyam et Bhajju Shyam. « Il nous a encouragés à développer un langage d’expression individuel. Il disait, Bhajju bano, Jangarh nahi », raconte Bhajju, 51 ans. Il travaillait comme veilleur de nuit lorsque Jangarh lui a demandé de travailler pour lui comme apprenti pour Rs 600 par mois. Alors que le lauréat Padma Shri 2018 se prépare pour un solo à la galerie d’art Aakriti de Kolkata en juillet, il se souvient de sa première vente par Jangarh lorsqu’il a vendu cinq de ses peintures pour Rs 1 200 à Delhi en 1994. “La plupart des collectionneurs se rendaient à Bhopal pour acheter ses œuvres, mais il a toujours promu les jeunes talents », explique Bhajju. Il a capitulé devant la gloire avec sa publication de 2004 The London Jungle Book, où il a partagé des souvenirs de son premier voyage à l’étranger à Londres dans un carnet de voyage illustré. Le récit métaphorique durable dépeint Londres comme une jungle exotique et Big Ben comme un coq géant.

La forme d’art à laquelle Jangarh a donné naissance, ironiquement, a retrouvé une vie renouvelée après sa mort. La disparition tragique de l’artiste dans des circonstances suspectes loin de chez lui a attiré la curiosité de son art. Mais au sein de sa communauté également, Venkat, 51 ans, note comment les artistes qu’il avait tenus à la main étaient désormais obligés d’explorer des voies indépendantes et, ce faisant, de découvrir leur talent individuel. Dans le livre Finding My Way (2016, Juggernaut), il écrit : « Ce n’est qu’après la mort de Jangarh que j’ai ressenti l’appel à devenir artiste.

Les lucioles et la vache de Durgabai Vyam. Dans cette toile détaillée, nous voyons comment une luciole aide une vieille dame à se lier d’amitié avec ceux qui habitent la jungle. Mettant l’accent sur la coexistence pacifique et la nécessité de conserver les ressources, Durgabai a des éléments à travers la toile, des huttes aux personnes engagées dans les tâches quotidiennes. Les spectateurs sont des oiseaux, des singes, des éléphants et d’autres membres du règne animal. (Source : Galerie d’art Ojas)

Malgré leurs héritages hérités, chaque artiste du genre a développé son vocabulaire individuel. “Quelque part le long de la ligne, chaque artiste a développé un style de signature basé sur sa manière individuelle de créer des motifs à l’aide de points, de traits et de lignes. Les lignes parallèles et la chaîne de course de Bhajju Shyam, et les motifs en chevron ou en pointe de flèche de Ram Singh, par exemple, sont devenus les caractéristiques des œuvres de ces deux artistes », écrit Jain.

Récipiendaire du prix Padma Shri de cette année, Durgabai Vyam déclare que réinventer est crucial pour un intérêt et une croissance soutenus. Bien qu’elle ait aidé sa mère à créer les motifs géométriques digna sur les murs et le sol, elle a été initiée à l’acrylique par son cousin Jangarh, après son mariage avec Subhash. “Les récits oraux ont également différentes versions et l’expérience individuelle de chaque artiste se reflète dans son travail”, explique Durgabai, 49 ans. , racontant divers incidents de la vie d’une fille du même nom. “C’était difficile mais satisfaisant”, déclare l’artiste. Elle a également illustré de nombreuses publications.

Si dans le livre Bhimayana (2011, Navayana), elle et Subhash ont illustré l’histoire de la vie du Dr BR Ambedkar, elle a également illustré l’utopie féministe Sultana’s Dream (2018, Tara Books), de Begum Rokeya. “Les livres nécessitent beaucoup plus de détails en raison de l’échelle par rapport à une toile, mais la portée est beaucoup plus large”, ajoute-t-elle.

Bien qu’aucun artiste Gond n’ait réussi à surpasser le record de Jangarh en 2010 de récolter Rs 14,5 lakh lors d’une vente aux enchères Sotheby’s, la catégorie a connu une augmentation constante des prix ces dernières années. « La demande a augmenté, tout comme les prix. Les collectionneurs sont principalement des expatriés et, comparés à leurs homologues contemporains, les prix obtenus par les artistes Gond sont relativement bien inférieurs. Nous constatons un intérêt accru parmi les institutions indiennes », déclare Anubhav Nath, directeur de la Ojas Art Gallery. Il expose de l’art indigène aux côtés de l’art contemporain dans sa galerie de Delhi depuis plus d’une décennie.

Avec la popularité viennent aussi les inconvénients du marché de l’art. Bhajju souligne que plusieurs jeunes ont commencé à copier des artistes seniors et vendent des reproductions à des prix moins chers. “À l’avenir, si les gens n’apprennent pas et ne pratiquent pas, l’art en souffrira”, déclare Bhajju. Il a enseigné la forme et pris des cours d’art. À Bhopal, tout comme Jangarh, la maison de Durgabai et Shyam regorge également de jeunes et le duo a également suivi des cours en ligne pendant Covid. “Nous voulons que notre prochaine génération ait plus d’opportunités, qu’elle puisse parler au monde de notre art et de notre tradition”, déclare Durgabai.

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