Our Selves : célébrer les photographies prises par des femmes artistes | De l’art

UNComme le montre régulièrement le cycle de l’actualité, l’acte simple et résolument moderne de prendre une photographie est désormais devenu un moyen prédominant de renverser un pouvoir enraciné. Et les artistes féminines, souvent en marge de la société culturelle, utilisent leurs caméras pour faire exactement cela depuis plus de 100 ans. C’est l’une des déclarations provocatrices faites par Our Selves: Photographs by Women Artists from Helen Kornblum, les nouvelles expositions habilitantes du Museum of Modern Art sur le travail de femmes photographes de plus de 100 ans et du monde entier.

“Pour moi, il était intéressant de poser constamment la question de ce qu’est une image féministe, car j’ai obtenu tellement de réponses”, a déclaré la commissaire de l’exposition Roxana Marcoci au Guardian. En fait, Our Selves fournit 90 réponses à cette question, allant de la photographie de 1899 de Frances Benjamin Johnston de jeunes étudiants dans une classe de calligraphie à la série « table de cuisine » des années 1990 de la photographe noire Carrie Mae Weem. Les images féministes ressemblent également au travail de la photographe queer Catherine Opie, Angela Scheirl, qui dépeint l’artiste transgenre Hans Scheirl des années avant sa transition vers l’homme, et l’Amérindienne Cara Romero’s Wakeah, une représentation de 2018 de son amie Wakeah Jhane en tenue tribale complète.

Pourtant, même si Our Selves peut fièrement déclarer que le féminisme soutient une idée large et inclusive de la féminité, Marcoci est consciente que cela n’a pas toujours été le cas. “Comme les femmes se sont battues pour la souveraineté, elles n’ont pas toujours inclus toutes les femmes”, a-t-elle déclaré. En effet, c’est l’une des questions centrales que cette émission cherche à aborder. « Lorsque je concevais l’exposition, je pensais à Ain’t I a Woman ?, la critique virulente de bell hooks du féminisme de la première et de la deuxième vague pour avoir mis à l’écart les femmes de couleur. Tout cela était donc sous-jacent à l’exposition au fur et à mesure qu’elle se mettait en place.

Carrie Mae Weems - Sans titre (Femme et fille maquillées), 1990
Carrie Mae Weems – Sans titre (Femme et fille maquillées) Photographie : Jonathan Muzikar/The Museum of Modern Art, New York. Photo de Jonathan Muzikar

Our Selves est né d’une collaboration profonde entre Marcoci et la psychothérapeute Helen Kornblum. Pendant plus de 40 ans, Kornblum a méticuleusement constitué une collection de photographies réalisées par des femmes artistes, et un don au MoMA de plusieurs de ces photographies constitue le noyau de Our Selves. Ce don est le fruit d’une relation professionnelle de longue date entre Marcoci et Kornblum : depuis 2014, ils siègent ensemble au sein du Comité de la photographie du MoMA, développant la représentation des femmes artistes au musée et poussant le musée à repenser les récits dominants transmis par le pouvoir patriarcal. structure. Pour Marcoci, cette connexion a été transformatrice. “Lorsque [Kornblum] rejoint le Comité de la photographie, nous avons instantanément lié des artistes sur notre travail sur les femmes et les droits des femmes. Quand j’ai vu sa collection de photographies par moi-même, j’ai adoré la vision qu’elle y avait apportée. C’est lié à mes propres intérêts et à la mission du MoMA, de montrer des arts qui reflètent une diversité de races et de sexes.

Our Selves remonte à la fin du 19e siècle et rend hommage au mouvement moderniste qui sous-tend tant d’artistes des derniers jours qu’il montre. L’art ici comprend des grands noms de la modernité comme Claude Cahun, Tina Modetti et Lotte Jacobi, et il vérifie le nom de Leonora Carrington et Frida Kahlo. À ces porte-drapeaux, Our Selves ajoute également des artistes moins connus comme Gertrud Arndt et Alma Levenson, une collaboratrice d’Ansel Adams, Imogen Cunningham et Edward Weston. Bien que ces images soient puissantes en elles-mêmes, elles agissent également comme une fondation, aidant à situer et à ancrer les œuvres plus contemporaines exposées tout au long de l’exposition.

Le thème de l’auto-présentation est fortement répandu dans Our Selves, avec tant de pièces exposées ici ayant été développées à partir de relations intimes entre le photographe et le sujet. Par exemple, en regardant Romero’s Wakeah – une image d’une femme amérindienne couverte de la tête aux pieds dans des couches et des couches de vêtements – le sujet offre un sentiment de vulnérabilité et d’affichage malgré sa robe volumineuse. Le sujet de Romero, un bon ami, fait confiance au photographe pour ne pas faire comme tant d’autres photographes l’ont fait auparavant lorsqu’ils sont confrontés à l’habillement et à la culture amérindiens. Bien que son regard soit fier et fort, il lui manque la méfiance qui accompagne l’impuissance et l’appropriation, attirant subtilement le spectateur vers lui.

Cara Romero - Wakeah
Cara Romero – Wakeah Photographie : Robert Gerhardt/The Museum of Modern Art, New York. Don d’Helen Kornblum en l’honneur de Roxana Marcoc

Le regard de Wakeah croise de manière intéressante les regards des photographies de la photographe de guerre américaine Susan Meiselas, démontrant la fascinante cohérence de l’exposition, les photographies jouant sans cesse les unes sur les autres. Dans la bien nommée Tentful of Marks de Meiselas, la caméra est posée derrière les deux jambes souples et talonnées d’une strip-teaseuse de carnaval, tandis que l’une des marques titulaires la regarde avec admiration, derrière lui tant de visages masculins zombifiés et fixes de la même manière. Ces visages prennent une signification supplémentaire lorsqu’ils sont vus en conjonction avec les autres contributions de Meiselas à l’émission : Masque traditionnel utilisé dans l’insurrection populaire, Monimbo, Nicaragua. Cette image montre un individu, vraisemblablement masculin, dont tout le visage et le regard sont effacés par un masque d’homme moustachu qui regarde droit dans la caméra, l’humanité du sujet n’étant définie que par une main posée furtivement sur une clôture de barbelés. Alors que Wakeah montre ce qui est possible lorsque les relations de pouvoir sont momentanément laissées de côté, les photographies de Meiselas portent sur des déconstructions de relations de pouvoir en plein essor. Ensemble, tous trois soulèvent des questions sur le genre, les corps et qui a le droit de regarder qui.

La photographie de Carrie Mae Weems, Woman and Daughter with Makeup, capture un autre moment de regard profond, lorsque ces relations de pouvoir sont apparemment à distance, mais sont également discrètement opérationnelles. L’image représente simplement une femme noire et sa fille appliquant simultanément du rouge à lèvres ; les deux existent à la fois ensemble et séparément, car ils synchronisent étrangement leurs mouvements tout en se concentrant intensément sur leur propre reflet miroir, apparemment chacun dans leur propre monde. Marcoci m’a dit que cette photo l’avait marquée par la façon dont Weems « place les femmes noires au premier plan des conséquences du pouvoir. C’est un tel moment de mise en scène de beauté, de performance synchronisée, et pourtant rien n’est fétichisé dans cette image. C’est une image de soin, de beauté noire, d’intériorité noire… il y a tellement de grâce dans la façon dont cela s’exprime.

Susan Meiselas - Une procession funéraire à Jinotepe pour les leaders étudiants assassinés.  Des manifestants portent une photo d'Arlen Siu, un guérillero du FSLN tué dans les montagnes trois ans plus tôt
Susan Meiselas – Une procession funéraire à Jinotepe pour les leaders étudiants assassinés. Des manifestants portent une photo d’Arlen Siu, un guérillero du FSLN tué dans les montagnes trois ans plus tôt Photographie : Robert Gerhardt/The Museum of Modern Art, New York. Don d’Helen Kornblum en l’honneur de Roxana Marcoci.

Our Selves est digne d’applaudissements pour le respect qu’il accorde aux femmes de diverses identités intersectionnelles – non seulement il célèbre des artistes comme Weems et Romero, mais il offre également les photographies transformatrices de la vie queer de Catherine Opie, et l’émission reconnaît ses dettes envers les postcoloniaux et queer théoriciens. Cependant, tout cela rend décevant que l’émission ne contienne aucune œuvre de ou de femmes transgenres. Particulièrement à une époque où de nombreuses personnes s’identifiant comme «féministes» tentent de priver les femmes transgenres de leur sécurité, de leur dignité et de leurs droits fondamentaux – rappelant la façon dont les vagues précédentes de féminisme cherchaient à exclure les femmes non blanches et non hétérosexuelles – il semblerait logique qu’une exposition qui se targue d’être inclusive et de se consacrer à tous les droits des femmes veuille faire entendre sa voix sur ce sujet. C’est la seule fausse note dans une célébration autrement glorieuse des femmes et de la photographie.

Tout comme Our Selves le fait pour faire avancer des conversations et des idées importantes pour l’avenir du féminisme, Marcoci est consciente que cela fait partie d’une lutte beaucoup plus vaste. “Il est important de garder à l’esprit que le travail n’est jamais terminé”, a-t-elle déclaré. “Je sais que je continuerai à attirer l’attention sur les femmes artistes et leurs problèmes pour le reste de ma vie professionnelle. C’est un travail de désapprentissage des histoires qui nous ont été enseignées à l’école et d’envisager différents récits, comme apprendre une nouvelle langue.

Leave a Comment