Rosalía parle du nouvel album ‘Motomami’ : NPR


“Je suis toujours très sûr de ce que je veux créer”, a déclaré l’artiste espagnole Rosalía à NPR.

Daniel Sannwald


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Daniel Sannwald


“Je suis toujours très sûr de ce que je veux créer”, a déclaré l’artiste espagnole Rosalía à NPR.

Daniel Sannwald

Il y a quelque chose d’indéniablement magnétique chez Rosalía. La musique, la personnalité et les visuels de l’artiste espagnol sont saisissants d’une manière distincte de votre pop star typique. Son album Motomami, sorti en mars, a sa juste part de morceaux optimistes, mais ce ne sont pas le genre d’hymnes pop qui semblent faits pour être diffusés 24 heures sur 24. Les 16 titres de l’album sont énergisants dans leur dynamisme homogène – changement de forme et changement de genre dans les chansons. Et ce style reflète Rosalía elle-même, qui n’a pas peur de jouer et de tirer de toutes les parties de son monde.

Rosalía a récemment annoncé sa toute première tournée mondiale, et bien qu’elle se dise ravie de jouer des classiques comme “Malamente” et “Con Altura”, les fans devraient s’attendre à un nouveau territoire de sa part. “Les gens qui ont vu le El Mal Querer montre, maintenant ils vont se sentir, “Oh, c’est quelque chose de différent”, dit-elle. L’artiste a récemment parlé avec Anamaria Sayre de NPR Music de l’enregistrement du globe-trotter Motomamichoisissant de renoncer aux fonctionnalités virales et transformant un mémo vocal poignant de sa grand-mère en une chanson.

Cette interview a été modifiée pour plus de longueur et de clarté. Pour écouter la version audio, cliquez sur le lien ci-dessus.

Anamaria Sayre, NPR Music : Je veux parler de ce bel album que vous avez sorti il ​​n’y a pas si longtemps, Motomami. Vous avez réalisé la majeure partie de cet album pendant COVID-19, n’est-ce pas ?

Rosalie : Une grande partie du projet a été réalisée en 2020, mais aussi pendant ma tournée en 2019 [and] en 2021 aussi. Cela a été tout un processus de trois ans. J’ai été aux États-Unis et loin de ma famille et loin de mon pays. C’était dur, mais ça m’a vraiment fait grandir en tant qu’écrivain, en tant que producteur. Je suis très reconnaissant d’avoir pu réaliser ce projet.

Évidemment [making the albums] Los Angeles, El Mal Querer, tu étais proche de la famille. Vous étiez près de chez vous quand vous les avez faites. Cette distance, [can] nous entendons cela dans le dossier?

Cent pour cent. Si je n’ai pas voyagé et si je n’ai pas passé autant de temps à Miami, à Los Angeles, à New York, puis à Puerto Rico, en République dominicaine — tout cela a vraiment affecté la façon dont cet album sonne, même la façon dont j’écris le Espagnol. Avant, toutes mes paroles étaient pleines d’espagnol. Parce que j’allais à l’épicerie et que j’achetais des trucs et que je parlais en anglais, ces choses me faisaient même penser en anglais, et cela affectait ma façon d’écrire. Je pense que c’est une telle bénédiction que je puisse passer du temps ici parce que je pourrais apprendre. [The U.S.] est un endroit tellement différent et je l’aime. Je pense que ça change ma façon de faire de la musique.

Le flamenco est un son qui revient sans cesse dans chaque œuvre que vous créez, mais maintenant vous intégrez la salsa, la bachata et le reggaeton. Au fur et à mesure que vous évoluez, au fur et à mesure que vous incorporez ces sons, comment vous voyez-vous continuer à grandir ?

je [have] toujours senti la musique de manière non compartimentée. je pense [that’s] toujours été là [and] que maintenant c’est plus radical. C’est juste que maintenant, parce que j’ai voyagé et que ma vie a changé, j’ai plus de stimulation de plus d’endroits et de personnes. Cela rend encore plus évident pour moi qu’il s’agit de cette manifestation humaine. Cette expression — qui est musique et style pour moi — je choisis ces styles, la bachata, le reggaeton, tout ça, parce que je les aime et que je veux les honorer. Et j’ai l’impression que c’était le bon style pour ce que je voulais exprimer dans cet album.

je suis un grand fan de [the Spanish artist] Martírio.

Elle est comme la “motomami” OG, tu vois ce que je veux dire ? comment elle chante, [how] elle met ses lunettes de soleil. L’énergie est folle.

J’ai envie d’entendre des sons comme les siens, il y a presque ce précédent pour les artistes espagnols qui expérimentent dans [that] façon, combinant le flamenco avec d’autres sons. Avez-vous l’impression qu’il y a quelque chose de typiquement espagnol dans votre ouverture à expérimenter tous ces sons différents ?

Si vous y réfléchissez, le flamenco – par exemple, la guajira, la rumba, la colombienne, la milonga, tout cela fait partie du corpus du flamenco. Qui montre comment le flamenco [has] toujours été naturellement comme une énigme depuis son origine. Pour moi [and] les artistes contemporains, les voyages et tout ce qui touche et fait les artistes [make] musique qui s’inspire [by] différents lieux. Mais aussi l’ère numérique – l’ère numérique et Internet ont fait une telle différence. Dans le flamenco, on peut toujours voir ces influences, et je pense que ça a toujours été un dialogue entre artistes, entre lieux, entre cultures. J’aime cette diversité culturelle. Je pense que même de nos jours, c’est plus radical. C’est quelque chose à célébrer.

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En parlant de diversité sonore, vous avez figuré sur une tonne d’albums d’artistes différents, mais sur cet album, vous n’avez que deux fonctionnalités. J’aime beaucoup le fait que vous possédiez cet album – c’est votre disque, vous possédez le son. D’où vient ce choix ?

C’est assez intentionnel. C’est la première fois que je fais un album qui a un contenu autobiographique. C’était vraiment important que le ton personnel, le ton confessionnel, soit présent du début à la fin. Si je [made] un album avec cette intention, mais faire tellement de collaborations juste à cause des flux et des numéros, il perdrait cette intention originale. Alors j’étais comme, non. [The rapper] Tokischa est un “motomami” tellement incroyable, tu sais ? Elle est tellement belle et créative, et pourquoi ne pas la célébrer dans l’album de la même manière. Abel [Tesfaye, The Weeknd], il a toujours été un musicien incroyable que j’adore et je voulais qu’il soit présent. J’ai eu “La Fama” et puis je me suis dit : “D’accord, laisse-moi appeler Abel, laisse-moi voir s’il a envie de sauter sur cette chanson.” Et il a sauté dedans.

Ce que j’aime dans ton disque [is that] tu es tellement présente. En l’expérimentant, je me dis “Rosalía nous emmène en voyage et c’est à ses conditions.” Cela me donne l’impression, oui, de posséder votre créativité.

Bien sûr, il y a beaucoup de gens que j’admire qui ont contribué au projet. En même temps, j’ai été le premier à entrer en studio et le dernier à en sortir. J’ai passé plus de 16 heures par jour pendant des mois à produire, écrire et cela a été un processus difficile. Amusant parfois, mais très dur aussi. Et bien sûr, c’est un honneur de travailler avec ces gens que j’admire et d’organiser les idées qu’ils mettent sur la table. Mais en fin de compte, ce projet a beaucoup de contenu personnel.

Lorsque vous êtes en studio d’enregistrement avec des artistes masculins, comment affirmez-vous vos intérêts créatifs ?

Je viens d’exprimer. J’adore aller au studio. C’est quelque chose dont j’ai toujours eu besoin depuis que j’ai commencé la musique à 16 ans. J’ai toujours expérimenté, je travaille toujours de longues heures et je dis toujours ce que je veux réaliser. J’ai généralement une idée d’une chanson que je veux faire avant de faire une chanson. Parfois, cela peut être ludique, comme commencer ce rythme. “Saoko”, par exemple, la première chanson de l’album, vous pouvez entendre qu’il y a une intention de [making] un travail de chanson qui a du reggaeton – influence OG reggaeton – mais aussi des touches de jazz ici et là. Je suis allé au studio en sachant que je le voulais, mais il m’a fallu du temps pour y arriver. Les gens avec qui je travaille, il y a beaucoup d’hommes [and] aussi des femmes. Mais toute mon équipe est composée de femmes et souvent j’ai l’impression d’être entourée d’hommes et j’en suis reconnaissante. Je suis toujours très sûr de ce que je veux créer.

Comment gardez-vous le pouvoir d’exprimer votre sexualité dans votre travail, votre musique et vos visuels, alors que vous évoluez dans une industrie axée sur le sex-appeal marketing ? Où dites-vous, “C’est quelque chose que je fais parce que je veux le faire et c’est qui je suis.” Comment exprimez-vous cela et maintenez-vous cette certitude?

Je pense que les gens le ressentent quand c’est réel, quand ça vient du centre. Quand ça vient du centre d’un artiste, on peut s’exprimer avec plus d’honnêteté. Je ne veux vraiment pas partager quelque chose qui n’est pas honnête. Et puis la sexualité fait partie de ma vie — ça fait partie de la vie. C’est quelque chose à célébrer aussi. je pensais en motomami, comment puis-je faire un album et faire des chansons sur des choses qui [is] Une partie de ma vie. Je célèbre la transformation. Je célèbre la spiritualité, mais de la même manière que je célèbre la sexualité. C’est là que vous pouvez trouver une chanson comme “Hentai”.

Quand tu jouais sur différentes chansons et que tu entrais en studio avec ces énormes héros du reggaeton, à quoi ça ressemblait [for] la jeune version de toi qui viens [wanted] faire de la musique ? Comment était cette expérience pour vous?

Je me suis toujours considéré comme un musicien. J’ai grandi en étudiant la musique à l’université. Quand je vais en studio, je ne me vois pas autrement qu’en tant que musicien, et je me mets [in] service de la chanson que nous allons faire ce jour-là. Donc, je me fiche de savoir qui est là. Je suis toujours très reconnaissant envers les gens qui m’entourent. Les grands artistes avec qui j’ai pu partager, j’ai beaucoup appris d’eux. Mais je me vois comme un musicien et je les vois aussi quand ils sont en studio avec moi en tant que musicien. Et il ne s’agit que de la chanson. Il ne s’agit de rien d’autre que de la chanson. Je pense que lorsque vous vous mettez au service de quelque chose qui en vaut la peine – par exemple un processus créatif – c’est très puissant.

Je dois évoquer l’un de mes moments préférés de l’album. C’est le moment où vous incluez votre abuela. C’était comme écouter mon abuela. Sur la chanson “G3 N15”, votre abuela dit, “Dieu et la familia. Genre, c’est ça. C’est l’objectif.” Et elle dit : “La famille est toujours importante. Tu portes un chemin un peu difficile. Quand je le regarde, je pense à quel monde compliqué est celui dans lequel Rosalía est entrée. Mais bon, si tu es heureuse, je suis heureux aussi.”

Mon abuela, mi yaya. Elle a dit cela dans une note vocale en fait dans WhatsApp. C’était en pleine pandémie et j’étais aux États-Unis, à Miami. Et elle m’a envoyé cette note et j’étais en studio et je me disais, “Non, je dois utiliser ça.” C’est exactement ce dont je voulais parler et partager. J’ai mis la voix de mi abuela dans une session Pro Tools et je me suis dit : « Quelle musique dois-je mettre à part sa voix ? Que dois-je utiliser ? Et puis ça m’est venu à la tête. Quand j’étais enfant, j’étais dans la maison de ma grand-mère et elle avait cette horloge qui sonnait avec cette mélodie. Je ne sais pas si cela vous semble familier, mais c’est [Rosalía sings the “Westminster Quarters” melody.] Cette mélodie est l’horloge de ma grand-mère.

Voulait-elle que tu sois chanteur ? Je connais mon abuela, elle vient du Mexique et elle a toujours voulu que je chante des boléros. Elle est comme, “Oh mon dieu, si tu voulais juste chanter des boléros.” Si elle pouvait te faire chanter quelque chose, ce serait quoi ?

Je pense que ma grand-mère aurait adoré si je chantais comme Maria Callas. Elle aimerait que je sois chanteuse d’opéra. Elle a toujours pensé que l’opéra valait bien mieux que n’importe quoi d’autre. Vous savez, comme la crème de la crème.

L’opéra est alors grandiose, tellement impressionnant.

Exactement. Mais la chose à propos de la nouvelle génération, je pense que c’est différent. J’ai toujours ressenti, et les gens autour de moi ont toujours ressenti, comme s’il n’y avait pas de musique meilleure que les autres. Il n’y a pas de style meilleur que les autres. Il n’y a pas de bon ou de mauvais dans la musique.

Avez-vous l’impression qu’il y a un son ou une idée qui restera toujours avec vous en tant qu’artiste, au fur et à mesure de votre évolution ?

Je pense que la transformation est certaine – célébrer le changement et la liberté. C’est quelque chose de très important pour moi, ce mot. Je pense qu’il était très présent pendant Motomami. Et comment puis-je être plus libre ? Je pense toujours ça. Je pense que ma musique préférée est très humaine. Mes artistes préférés sont très humains. Ils montrent leurs contradictions. Ils montrent comment ils changent. Et j’adore ça et j’ai l’impression d’être connecté dans la perspective.

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